Programación Teatro Bretonhttp://www.teatrobreton.org/programacion.aspTeatro Breton de los Herreros en Logroñoes-EShttp://www.teatrobreton.org/images/ayuntamiento.jpgTeatro Bretónhttp://www.teatrobreton.org<![CDATA[PARAÍSO PINTADO]]>Fecha inicio: 22/10/2017
Fecha fin: 22/10/2017
Lugar: Salón de Columnas
Hora comienzo: Día 22 de octubre 20:00h.
La gran artesana de las payasas, Pepa Plana, compone en PARAISO PINTADO un espectáculo de gran iqueza visualy viste de poesia la cara más triste de las migraciones.”.

NOTA DE INTENCIONES
Desde hace mucho tiempo, que a la hora de pensar una nueva producción el tema de las migraciones siempre nos andaba dando vueltas, quizás porque nuestros abuelos ya fueron inmigrantes. De un tiempo a esta parte, cuando aún más, los intereses económicos pasan por encima de las voluntades políticas de los ciudadanos, es obvio que el tránsito de personas de un lado a otro no se acabará, sino todo lo contrario. Es necesario formar una opinión que contrarreste el discurso de alarma que se emite desde muchos medios. No es un tema ni fácil ni amable de abordar.

La experiencia directa con el trabajo que se hace desde Payasos sin Fronteras, nos reafirma esta idea de intentar cambiar la percepción de las migraciones como un fenómeno negativo. Todos los países somos fruto de corrientes migratorias a lo largo del tiempo.
En el momento que empezamos a trabajar en este proyecto no podíamos sospechar la crisis que se desataría rápidamente con los refugiados del conflicto siriano. Hemos vivido como Europa ha sido incapaz de hacer memoria de su pasado reciente y ha vuelto a reaccionar de la peor manera posible. Aunque hay actitudes individuales valientes, estas solo pueden poner parches. Ha de ser un cambio social el que permita encarrilar una solución a este conflicto, es por eso, que aunque esta historia no pueda tener un final feliz de momento, si que pretendemos abrir puertas y ventanas a la esperanza y especialmente rendir homenaje a todas aquellas personas que han perdido la vida mientras intentaban la oportunidad de tener una vida mejor.
Pero además, nuestra ángel, también denuncia la actitud de quedarnos en nuestro espacio de confort, nuestro Paraíso Pintado. Esto es preferir la seguridad de un espacio, de un trabajo, o de un entorno que nos ahoga, a la inseguridad que supone salir de ahí para buscar otro camino. Este espectáculo se empezó a ensayar en el centro de creación “La Pallarassa” que la compañía tiene en el Delta del Ebro, después se instaló en el teatro municipal de Sant Jaume d’Enveja para terminarlo ya en el Teatro Principal de Valls. A partir de la idea inicial, es Ferruccio Cainero quien desarrolla el guión que se va enriqueciendo con los ensayos. La idea de esta ángel, nos permite jugar con todo un montón de referentes colectivos que nos ayuda a crear un espectáculo prácticamente sin texto.

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<![CDATA[TODO EL TIEMPO DEL MUNDO]]>Fecha inicio: 27/10/2017
Fecha fin: 27/10/2017
Lugar: Teatro Bretón
Hora comienzo: Día 27 de octubre 20:30h.
Considerada como una de las voces más interesantes del teatro español contemporáneo, Pablo Messiez regresa sobre las tablas con el estreno absoluto de su última producción como autor y director. TODO EL TIEMPO DEL MUNDO es una pieza bella y onírica con tintes autobiográficos, que habla sobre el tiempo y los relatos.

Flores es un zapatero de señoras. Cada noche, al cerrar su zapatería, recibe la visita de extrañas personas que le cuentan su futuro, le revelan detalles de su pasado o llegan, incluso, a desvelar sus historias presentes. Algo sucede cada noche con el tiempo, cuando no hay testigos, que hace que todas estas historias convivan a la vez, superponiendo pasados y futuros en un presente continuo, en el que el señor Flores intentará comprender quién es.

“Si el pasado está hecho de relatos y el futuro está hecho de deseos, ¿en qué lugar entre las palabras y las cosas está nuestro presente?”. Tales son las preguntas que se plantea Messiez.

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<![CDATA[EL CÍCLOPE Y OTRAS RAREZAS DE AMOR]]>Fecha inicio: 28/10/2017
Fecha fin: 28/10/2017
Lugar: Teatro Bretón
Hora comienzo: Día 28 de octubre 20:30h.
El amor no es ese cuento de hadas que nos contaron cuando éramos pequeños. EL CÍCLOPE es una obra de vidas cruzadas en la que los personajes tienen que volver a aprender a amar. La desaparición fortuita de uno de ellos hará que el resto se replanteen su forma de entender la vida y de experimentar el amor.

Un espacio lumínico y el rastro de un juego de rayuela, que se dibuja y se borra, inspiran un esqueleto corpóreo que se monta y desmonta con la misma facilidad con que se dibujan las rayas del popular juego. En este espacio, arropado por la música que ayuda a transitar las emociones contamos una historia en la que el amor no es lo que parece ni lo que nos han contado. Porque tiene mil caras. En la misma línea de mis otros montajes, busco impregnar la hora y veinte de función de un realismo absoluto. Sin embargo esta vez, todos y cada uno de los personajes, transitan durante unos segundos en un lirismo que eleva sus almas, sus pensamientos y su lenguaje. La única técnica posible para llevar a escena la búsqueda insaciable de amor, de estos cinco personajes, es la observación. Desde ese lugar escribí este texto y desde ese lugar pretendo ponerlo en pie.

Ignasi Vidal


EL CÍCLOPE
Vidas que se cruzan como líneas trazadas en un plano. La vida son breves encuentros que nos proporcionan pequeños momentos de felicidad. ¿Qué habría ocurrido si hubiera tomado la decisión que me dictaba el corazón en lugar de hacer lo que se esperaba de mí? Líneas y más líneas que se cruzan… ¿Qué esperamos del amor?, ¿a dónde nos llevará una mirada, una sonrisa con ese ser desconocido que tenemos en frente?... Y más líneas que se cruzan sobre el plano blanco… El miedo al compromiso, o quizás no el miedo sino el puro hartazgo que produce ese compromiso. Saber que no eres tú sino una réplica de lo que se entiende que tienes que ser tú… Y más líneas que se cruzan.

Lo inesperado. El amor con toda su fuerza irrumpe en nuestras vidas sin avisar... Y sentirse por amor protegido. Y por amor perder la vida. Y en esas líneas que se cruzan, saber, ser consciente de que querrías que ahora tú línea, la que te ha tocado, la que representa con exactitud todo lo que piensas y sientes, se detenga en este punto para siempre, con ella, con él… Con ese él y esa ella soñados… Pero a la vez sabes que eso no va a ocurrir. Porque nunca ocurre.

Amar es el acto más soberbio y perfecto que pueda existir, es hacer arte con una mirada, una palabra, un leve gesto de cabeza. Los seres humanos inventamos la más perfecta de las emociones, la única que determina de verdad lo que somos y cómo seremos en el futuro… Las líneas que se cruzan, que convergen en un punto tan efímero como inmortal. La perfecta y breve eternidad. Si pudiera escoger me quedaría aquí, contigo, para siempre. Perono puedo escoger. Ayúdame. Te necesito. Te quiero. Te querré. Las líneas se cruzan sobre el plano, sobre la hoja en blanco… Durante la breve convergencia de dos líneas, de nuestras líneas, jugamos al Cíclope, mientras nos besamos. Tus dos ojos se convierten en uno… Líneas y más líneas que se cruzan. Te quise, te quiero… te querré siempre.

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<![CDATA[ROMEO & JULIET]]>Fecha inicio: 29/10/2017
Fecha fin: 29/10/2017
Lugar: Salón de Columnas
Hora comienzo: Día 29 de octubre 20:00h.
A partir de la sencillez escenográfica que proporcionan dos celosías y una mesa, escenario sobre el escenario, y un preciso y evocador juego de objetos, el actor desvela el mundo que palpita tras las palabras de Shakespeare.

Las manos. Ensayo tras ensayo, las manos han ido apareciendo por todas partes: el Conde Paris pide la mano de Juliet; el Príncipe sentencia las sangrientas manos de las familias; es la mano de Romeo la que conoce a Juliet; el fraile une las manos de los amantes en la boda; Juliet encuentra la mano de Romeo envenenado... Se trata de manos que imploran, que matan, que perdonan o rezan, manos que acarician.

Desde las manos hemos concebido nuestra puesta en escena: un solo actor incorpora a cada uno de los personajes. Por medio de sus brazos y sus manos conduce la acción escénica, guiando la imaginación de los espectadores por los distintos escenarios de ROMEO & JULIET.

A partir de la sencillez escenográfica que proporcionan dos celosías y una mesa, escenario sobre el escenario, y un preciso y evocador juego de objetos, el actor desvela el mundo que palpita tras las palabras de Shakespeare. Escuchar los sonidos que imaginó, la música de sus palabras, nos acerca al sentir de los personajes, por eso a veces hablan en inglés, aunque nuestro espectáculo es en español. Manos a la obra.




LA COMPAÑÍA
Llevamos más de 20 años jugando sobre los escenarios. Son más de 20 años comprometidos con el público, sin importar su edad.

En Ultramarinos de Lucas entendemos el teatro como una aventura que nos lleva a cuestionar lo que nos rodea y compartir nuestras inquietudes con el público. Seguimos preguntándonos cuáles son las pasiones, las fuerzas, los hilos que nos mueven, que nos hacen humanos. Y hacia dónde nos llevan.

Nos preguntamos por la pasión que domina ROMEO & JULIET, esa violencia que atraviesa a sus personajes y que, vestida de poesía, seduce a los espectadores desde hace 400 años.

Creemos apasionadamente que lo que Shakespeare cuenta en sus obras nos concierne profundamente, jóvenes o adultos, y necesitamos compartirlo. Por eso, en 2009 comenzamos a adentrarnos en su universo con La sombra de Lear [Shakespeare], adaptación de El Rey Lear. Ahora, con ROMEO & JULIET avanzamos en nuestra búsqueda de la sorprendente teatralidad que ofrece el lenguaje shakesperiano. Buceamos en las palabras de don William y las compartimos especialmente con el público adolescente, tan necesitado de teatro.

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<![CDATA[RHÜMIA]]>Fecha inicio: 01/11/2017
Fecha fin: 01/11/2017
Lugar: Teatro Bretón
Hora comienzo: Día 1 de noviembre 19:30h.
RHÜMIA es un espectáculo de teatro de payasos, con una dramaturgia teatral que hará las delícias de pequeños y mayores

Cuando las luces de la pista se apagan al acabar el “bolo de trabajar”, toca ponerse el abrigo de personita, coger aires de dignidad y salir a la calle camino de casa con el miedo de que este mundo tan serio nos devore.
Sólo hace falta que alguien nos ayude a encender la chispa, para que cuando nos toque actuar en lo que llaman el “Mundo real”, demostremos con nuestro comportamiento que podemos cambiar alguna realidad.

Esta familia “inestable” de payasos y músicos excepcionales que son Jordi Martínez, Joan Arqué, Roger Julià y Pepino Pascual, acogen en su casa al artista callejero, músico, clown y luthier, Mauro Paganini, que aporta su universo mágico para cerrar la segunda parte de esta bilogia clownesca que empezamos con Rhum.

En casa de los Rhum & cia, hay otro mundo posible, otra pista de circo más íntima con nuevas entradas de payasos, canciones y músicas de todo el mundo y está llena de emociones absurdas y concretas. Imaginadas y reales. No es nada diferente de lo que ocurre en cualquier hogar alrededor del mundo porque finalmente el circo es cualquier universo y cada casa es un circo donde todoel mundo tiene cabida.

RHÜMIA es un canto a la esperanza, a la necesidad de reír y hacer reír por encima de todas las cosas. Aquí y allá, a los que ya saben y los que sabían y han de volver a aprender.

La risa, el arma más poderosa de la felicidad, escondida bajo una nariz roja.

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<![CDATA[PUNK ROCK]]>Fecha inicio: 03/11/2017
Fecha fin: 03/11/2017
Lugar: Teatro Bretón
Hora comienzo: Día 3 de noviembre 20:30h.
#LAJOVENCOMPAÑÍA es un proyecto escénico pensado para que los jóvenes y los adolescentes y se acerquen al teatro.Simon Stephens dibuja en PUNK ROCK un preciso retrato de los jóvenes de nuestros días, de sus inquietudes y miserias, del ecosistema educativo y el futuro difuso que les espera.

NOTAS DEL DIRECTOR DEL PROYECTO
Iniciamos la cuarta temporada de La Joven Compañía con la ilusión de quien ha recibido el cariño del alumnado y profesorado de Secundaria, Bachillerato y Universidad de toda España, de los compañeros de profesión, de instituciones públicas y privadas, y de los medios de comunicación. Un cariño que ha sido fundamental para conseguir una movilización de los jóvenes españoles por decenas de miles para así sembrar en ellos la semilla del amor por el teatro.

Esta temporada renovamos nuestro compromiso con el teatro por y para jóvenes llevando el trabajo de La Joven Compañía en gira nacional por toda España. Seguiremos contando con la ayuda y el talento de dramaturgos españoles y editoriales comprometidos en mostrar a los jóvenes que el teatro es un espejo en el que mirarse, en el que emocionarse para poder ejercer una ciudadanía activa que ayude a todos, incluidos los más vulnerables, a ver la sociedad de otra manera, y conducinos así hacia un mundo más tolerante y una vida más plena.

Todos y todas somos necesarios. Os pediremos que os suméis a este barco que ya es la casa de muchos y que necesita del apoyo de todos para poder seguir construyendo futuro. A las instituciones y patrocinadores que nos apoyaron la temporada pasada y continúan con nosotros: Ministerio de Cultura, Comunidad de Madrid, Ayuntamiento de Madrid y Eduardo Rivera, se añade esta temporada el generoso patrocinio de la Fundación Daniel y Nina Carasso. Bienvenidos a esta gran familia.
Gracias a todos. Gracias por renovar vuestra confianza en La Joven Compañía. Gracias por creer en el diálogo entre distintas generaciones y tender puentes entre universos que no se comunican para hacer posible lo que no lo parecía.

David R. Peralto | Director del proyecto de La Joven Compañía

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http://www.teatrobreton.org/evento.asp?evento=796
<![CDATA[SENSIBLE]]>Fecha inicio: 04/11/2017
Fecha fin: 04/11/2017
Lugar: Teatro Bretón
Hora comienzo: Día 4 de noviembre 20:30h.
Kiti Mánver y Chevi Muraday protagonizan esta magistral adaptación teatral de Juan Carlos Rubio a partir de una novela original de Constance de Salm.

SENSIBLE es un espectáculo multidisciplinar: música, danza e interpretación se funden y superponen para sumergirnos en el abanico de obsesiones y afectos del alma magistralmente trazados por Constance de Salm en su afamada novela epistolar del siglo XIX.

En ella descubrimos cómo una aristócrata madura brillante e inteligente pasa por todas las etapas del calvario al descubrir a la salida de la ópera la traición de su joven amante, que sube al coche con otra mujer. Despechada, a lo largo de un intenso día se sumerge en una espiral de desenfreno intentando recuperar la atención de su enamorado.

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<![CDATA[PEDRO Y EL LOBO]]>Fecha inicio: 05/11/2017
Fecha fin: 05/11/2017
Lugar: Teatro Bretón
Hora comienzo: Día 5 de noviembre 19:30h.
PEDRO Y EL LOBO es el célebre cuento musical de Serguei Prokofiev, origen y padre de todos los cuentos musicales. La versión escénica de esta obra, por parte de la compañía granadina Etcétera, dirigida por Enrique Lanz, se ha convertido a lo largo de los años en todo un clásico de las producciones para niños.

Prokofiev partió de un sencillo cuento para llevar hasta los niños toda la complejidad de la orquesta, creando una pieza musical imprescindible para la iniciación de los futuros aficionados. En PEDRO Y EL LOBO se suceden en muy poco tiempo diferentes momentos dramáticos, que van desde el suspense al humor, representados por unos personajes claramente reconocibles por su diferente color musical. La sencillez del cuento, los marcados momentos dramáticos y los colores muy definidos, son el punto de partida para crear una puesta en escena de la máxima ingenuidad, que subraya con eficacia y nitidez lo que el texto y la música nos cuentan. Tras la orquesta, que ocupa el primer plano, y con un lenguaje visual claro y directo, como dibujos de niños sobre una gran pizarra, donde no sobra nada, se recrea un ambiente mágico que atrapa desde el principio al espectador, no permitiéndole otra cosa que soñar e imaginar, sumergido en esa sustancia misteriosa compuesta de palabras, música y formas, en continuo movimiento, que es este espectáculo.
PALABRAS PARA LOS MÁS PEQUEÑOS
Sabíais que en los teatros se mezclan casi todas las artes (la música, la pintura, la arquitectura, la literatura, la escultura, la danza), para conseguir que los cuentos parezcan de verdad? Pues esta vez le ha tocado a PEDRO Y EL LOBO , un cuento musical que Serguei Prokofiev compuso para vosotros. Es muy sencillo, pero si lo escucháis y observáis con mucha atención, descubriréis muchas cosas. Os voy a dar algunas pistas: hay un animal que nada, otro que no le gusta nada el agua y corre por el prado y otro que vuela; el lobo representa el peligro; el abuelo, la experiencia; Pedro, podrías ser tú. Por cierto, ¿vosotros habríais hecho lo mismo que él? Ya veréis que buen resultado da la colaboración entre amigos

Enrique Lanz

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<![CDATA[LA OMISIÓN DE LA FAMILIA COLEMAN]]>Fecha inicio: 08/11/2017
Fecha fin: 08/11/2017
Lugar: Teatro Bretón
Hora comienzo: Día 8 de noviembre 20:30h.
Despedida de los escenarios de este éxito que ya han visto más de 265.000 espectadores

La omisión de la familia Coleman lleva más de 2.000 funciones y la han visto más de 265.000 espectadores de 22 países. Esta es su gira de despedida.

Una familia viviendo al límite de la disolución, una disolución evidente pero secreta; conviviendo en una casa que los contiene y los encierra, construyendo espacios personales dentro de los espacios compartidos, cada vez más complejos de conciliar. Una convivencia imposible transitada desde el absurdo devenir de lo cotidiano, donde lo violento se instala como natural y lo patético se ignora por compartido.

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<![CDATA[ALL WAYS]]>Fecha inicio: 10/11/2017
Fecha fin: 10/11/2017
Lugar: Teatro Bretón
Hora comienzo: Día 10 de noviembre 20:30h.

Cada uno tiene ante si y múltiples caminos pero solo uno de ellos le llevará a sí mismo. Quizás la libertad consista en percibir siempre todos los caminos y seguir tan solo aquel que es llamado a recorrer.

El camino que aquí atravesamos transcurre por cinco paisajes anímicos: la pérdida, la búsqueda, el sueño, el enamoramiento y la construcción. Vaya más allá de la peregrinación espera el cielo, la estrella, el cosmos…
El sentido de estar suspendidos en este vacío innombrable.

Pájaro negro, pa paloma blanca, no es el miedo quien habita el viento, no os alejéis de vuestro nido y volved a la fuente en la que saciaros.



Fundada en Madrid en 2006 por el coréografo israelí Sharon Fridman, la compañía ha participado en numerosos festivales y escenarios de distintos países como Francia, Países Bajos, Bélgica, Italia, Alemania, Reino Unido, Colombia, Corea del Sur o Singapur.

El trabajo de esta formación se basa en tres pilares fundamentales:El lenguaje del contact, entendido como una filosofía existencial que implica una relación consciente no sólo con el otro sino tambien con la materia y los elementos. La dimensión social de la danza. Toda manifestación artística debe ser responsable con el entorno, generadora de alternativas, cuestionadora del sistema. Romper la cuarta pared. La danza ocurre en todas partes, está en lo cotidiano. El escenario es el lugar donde tradicionalmente se ha producido ese momento mágico en el que el trabajo artístico y el público se encuentran.

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http://www.teatrobreton.org/evento.asp?evento=800
<![CDATA[LA TERNURA]]>Fecha inicio: 11/11/2017
Fecha fin: 11/11/2017
Lugar: Teatro Bretón
Hora comienzo: Día 11 de noviembre 20:30h.
Alfredo Sanzol, inspirado en el universo de las comedias de Shakespeare crea en LA TERNURA, una comedia de leñadores y princesas en la que intenta trasladar la imposibilidad de protegernos del daño que produce el amor, porque si queremos amar nos tenemos que arriesgar a sufrir.

LA TERNURA cuenta la historia de una reina algo maga y sus dos hijas princesas que viajan en la Armada Invencible obligadas por Felipe II a casarse en matrimonios de conveniencia con nobles ingleses una vez que se lograse con éxito la invasión de Inglaterra. La Reina Esmeralda odia a los hombres porque siempre han condicionado su vida y le han quitado la libertad, así que no está dispuesta a que sus hijas tenga el mismo destino que ella. Cuando la Armada pasa cerca de una isla que La Reina considera desierta crea una tempestad que hunde el barco en el que viajan. Su plan es quedarse a vivir en esa isla con sus hijas para no volver a ver un hombre en su vida. El problema es que eligen una isla en la que desde hace veinte años viven un leñador con sus dos hijos que huyeron allí para no volver a ver una mujer en su vida. En cuanto la reina y las dos princesas descubren que no están solas se visten de hombres para protegerse. Y aquí comienzan las aventuras, los líos, los enamoramientos, y las confusiones.

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http://www.teatrobreton.org/evento.asp?evento=801
<![CDATA[SUEÑO]]>Fecha inicio: 12/11/2017
Fecha fin: 12/11/2017
Lugar: Teatro Bretón
Hora comienzo: Día 12 de noviembre 19:30h.
Andrés Lima estrena SUEÑO, inspirado en el universo de las comedias de Shaespeare a partir de una historia personal, la muerte de su padre y su deseo de vivir y de amar… Y su locura… Sueño muestra una historia divertida y cruel a la vez, un viaje de emociones que va tomando forma a través del ejercicio malabarístico de unos intérpretes expuestos al riesgo.

Andrés Lima ya se ha acercado en varias ocasiones al humor y al horror de Shakespeare, en torno a las figuras de Falstaff, Tito Andrónico y Macbeth. Ahora se busca su propio camino a través del bosque delSueño de una noche de verano, conectando el pálpito del “eros” y “thánatos” de esta comedia con un recuerdo personal de otra naturaleza bien distinta, cuando falleció su padre.

Y así, seguramente, se ampliará aún más el mundo de contrastes que reina en la obra original de Shakespeare, escrita curiosamente en medio del invierno, pese al título y a la temperatura que exhala: la delicadeza humana y el instinto animal, lo etéreo y lo terrenal, lo onírico y lo banal, el artificio frente a lo natural, el desenfreno y lo racional, el deseo y lo real.

¿Por qué decimos te necesito? ¿Cuál fue tu primer amor? ¿Qué te vuelve loco: un amor no correspondido o una vida no vivida? ¿Por qué nos intranquilizan los locos? ¿Y los simples? ¿Qué hay después de la muerte? ¿Y antes? Quiere esta comedia mirar el placer y el dolor, y darle sentido a este baño de sensaciones que puede ser el amor a la vida", afirma Andrés Lima.

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http://www.teatrobreton.org/evento.asp?evento=802
<![CDATA[AQUILES, EL HOMBRE]]>Fecha inicio: 16/11/2017
Fecha fin: 16/11/2017
Lugar: Teatro Bretón
Hora comienzo: Día 16 de noviembre 20:30h.
Este es el trayecto que propone Aquiles: de la rueda de violencia y venganza que sólo genera más violencia, a la aparición de la compasión que funda un espacio de entendimiento.UNA PROGRAMACIÓN DE LA CONSEJERÍA DE DESARROLLO ECONÓMICO E INNOVACIÓN DEL GOBIERNO DE LA RIOJA


Son ya nueve años los que el ejército aqueo lleva asaltando sin éxito las murallas de Troya. Nueve años desde que una alianza de los pueblos griegos se pusiera en marcha para vengar la afrenta del rapto de Helena, esposa de Menelao, a la que el troyano Paris custodia tras los muros de Ilión. Pero Troya se muestra inexpugnable y el desaliento y la discordia hacen su aparición en el campamento aqueo. Todos los ojos se vuelven hacia Aquiles, el más poderoso de los guerreros griegos, el héroe semidivino del que se espera una intervención decisiva que haga cambiar el curso de la batalla. Pero Aquiles, hastiado de la guerra, se pregunta si merece la pena cumplir su destino.

Así comienza AQUILES, versión dramatizada de los hechos fundamentales narrados en la Ilíada, el más antiguo de los poemas épicos de la literatura occidental. Los Dioses son aquí presencias lejanas y la sangre y la batalla un telón de fondo sobre el que asistiremos al despliegue de la conciencia del héroe.

Veremos como el caudillo griego Agamenón humilla a Aquiles al arrebatarle a Briseida, su esclava favorita, y cómo Aquiles renuncia a la lucha, dejando a sus compañeros a los pies de una derrota segura ante las fuerzas troyanas. Cuando su íntimo Patroclo sea asesinado por Héctor, el caudillo troyano, Aquiles volverá a tomar las armas para enfrentarse en duelo a Héctor. Del dolor por la muerte de su amigo surge un Aquiles vengativo y cruel, que sólo busca la muerte de Héctor y la profanación de su cadáver. Pero cuando Príamo, el padre de Héctor, se presenta ante él y le pide que le entregue el cadáver de su hijo para darle sepultura, Aquiles encuentra el rastro de compasión que necesita. Surge entonces un Aquiles humano, capaz de entender a su enemigo y aceptarse a sí mismo.

Este es el trayecto que propone Aquiles: de la rueda de violencia y venganza que sólo genera más violencia, a la aparición de la compasión que funda un espacio de entendimiento.

José Pascual | Director

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http://www.teatrobreton.org/evento.asp?evento=803
<![CDATA[UNA HABITACIÓN PROPIA]]>Fecha inicio: 17/11/2017
Fecha fin: 17/11/2017
Lugar: Salón de Columnas
Hora comienzo: Día 17 de noviembre 21:00h.
UNA HABITACIÓN PROPIA se publicó por primera vez en 1929. El ensayo estuvo basado en una serie de conferencias que la propia Virginia Woolf desarrolló en octubre 1928, en los colleges femeninos de Cambridge, sobre el tema de las mujeres y la literatura. “Les dije suavemente que bebieran vino y tuvieran una habitación propia”, escribe en su diario la fulgurante escritora británica. Tan famoso como polémico, casi un siglo más tarde, el libro sigue siendo un mito del feminismo.

Una escritora da una conferencia ante unas jóvenes estudiantes, en 1928. Sus palabras, irónicas y afiladas, son el relato vivo de un descubrimiento: para dedicarse a la literatura, una mujer necesita dinero y una habitación propia. Sólo hace nueve años que se le ha concedido el voto a la mujer.


La dinámica de esta falsa conferencia es una experiencia imaginaria, vívida y humorística, que desemboca como un río inexorable en algunas de las ideas más inteligentes y de apariencia más sencilla sobre el darse cuenta de las mujeres de su lugar en el mundo, en el momento mismo en que está sucediendo la mayor revolución social de todos los tiempos: La igualdad de hombres y mujeres ante la ley.

María Ruiz | Directora


«…Y se produjo la mayor liberación de todas, que es la libertad de pensar en las cosas tal como son.»

«Es extraño: la historia de la oposición masculina a la emancipación de las mujeres quizás sea más reveladora que la propia historia de la emancipación.»

«Una mujer, en cualquier tiempo anterior a nosotras, habría necesitado un valor extraordinario para resistir el ataque del desprecio, la censura y las recompensas prometidas. Tener algo de incendiaria para decirse: no podéis apoderaros también de la literatura. La literatura está abierta a todos….»

«…No hay verja, ni cerradura, ni candado que puedas imponer a mi libertad de pensamiento.» «…Hay que ser un hombre femenino o una mujer masculina. Tener una mente andrógina que transmita emociones sin impedimento. Creativa, incandescente, indivisa… como la de Shakespeare.»

Virginia Woolf

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http://www.teatrobreton.org/evento.asp?evento=804
<![CDATA[LOS UNIVERSOS PARALELOS]]>Fecha inicio: 18/11/2017
Fecha fin: 19/11/2017
Lugar: Teatro Bretón
Hora comienzo: Día 18 de noviembre 20:30h.
Día 18 de noviembre 19:30h.
LOS UNIVERSOS PARALELOS, es una bella y emocionante historia sobre cómo los miembros de una familia se enfrentan a la pérdida y al dolor. Patricia y Alberto, un matrimonio acomodado, intentan reconducir su vida tras la muerte de su hijo pequeño. Hace tan solo ocho meses eran una familia feliz; ahora se encuentran inmersos en un laberinto de recuerdos, añoranzas y culpabilidades del que les resulta casi imposible salir. Pero lejos de rendirse, los dos lucharán con todas sus fuerzas para encontrar un camino de vuelta a una vida que podría seguir siendo hermosa.

David Lindsay-Abaire es uno de los dramaturgos más interesantes surgidos en los últimos veinte años. Ha sido galardonado con los más importantes premios teatrales, sus funciones se han representado en decenas de países y cada uno de sus estrenos es esperado en Estados Unidos con muchísima expectación. Las obras de David Lindsay nos hablan de gente normal, personajes que parecen salidos directamente de un documental sobre la clase media y en los que podemos reconocer con absoluta facilidad rasgos de nuestros amigos, familiares e incluso de nosotros mismos.
Sus historias nacen casi siempre de conflictos cotidianos y, a menudo, tratan sobre situaciones difíciles cuando no directamente dolorosas. Pero David Lindsay no parece tener ninguna afinidad por las tragedias ni por los melodramas y huye de ambos cada vez que se sienta a escribir. Todas sus funciones, incluso las que parten de una situación más dura como Los universos paralelos, están impregnadas de muchísimo humor y en sus finales encontramos una puerta abierta a la esperanza que invita a los seres humanos a seguir adelante hasta en los momentos más desoladores.
De toda su brillante producción, él mismo y la crítica especializada han señalado a Los universos paralelos como su obra maestra. Es éste, quizá, el texto en el que mejor ha conseguido esa mezcla tan personal de comedia y drama que encontramos en todas sus obras y en el que sus siempre brillantes diálogos han alcanzado las cotas más altas de calidad.
La función se estrenó en Broadway en 2006 y obtuvo el Premio Pulitzer de Teatro en el 2007. Tuvo también varias nominaciones a los Premios Tony, incluido el de Mejor Obra, y Cynthia Nixon ganó el Tony a la Mejor Actriz. Igualmente, los montajes de la función estrenados por todo el mundo han cosechado muchísimo éxito.
Y ahora, por fin, Los universos paralelos llega a nuestro país. He leído muy pocos textos en mi vida que me hayan tocado tanto como éste. Y nunca, en todas las funciones que he tenido entre manos, me he sentido más cercano a sus personajes y a lo que cuenta la obra. Sus futuros espectadores, estoy seguro, se emocionarán e incluso se reirán con la historia de esta familia, y vivirán el viaje de sus personajes como si fuera algo propio.
Para ponerla en pie he contado con el apoyo incondicional de PTC en la producción. Juntos hemos conseguido unir al mejor equipo técnico y artístico con el que un director puede soñar. Todos nos hemos involucrado de manera especial en este proyecto para contar esta pequeña, sencilla y hermosísima historia que anima a los seres humanos a no quedarse enganchados al dolor y a seguir luchando, incluso en las situaciones más adversas, para tener una vida razonablemente feliz.

David Serrano | Director

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http://www.teatrobreton.org/evento.asp?evento=805
<![CDATA[EN TIERRA (GROUNDED)]]>Fecha inicio: 23/11/2017
Fecha fin: 23/11/2017
Lugar: Salón de Columnas
Hora comienzo: Día 23 de noviembre 21:00h.
Stoffel comparte con el público los ensayos de esta emocionante obra que pone en cuestión nuestras ideas sobre la guerra, la familia y el poder de contar historias.

De la mano de Isabelle Stoffel (recién nominada a los Premios Mihura) y Sigfrid Monleón llega EN TIERRA (GROUNDED), un texto interesantísimo eimprescindible que aún no se ha estrenado en España, aunque desde su estreno en el festival de Edimburgo en 2013 ya ha sido representado en medio mundo, desde Etiopía hasta Broadway con Anne Hathaway. Actualmente se prepara su versión operística en el Metropolitan de Nueva York y su adaptación al cine en una película de Hollywood producida e interpretada por Anne Hathaway. Premiado con el Smith Prize de teatro político americano, el dramaturgo americano George Brant logra una emocionante obra que pone en cuestión nuestras ideas sobre la guerra, la familia y el poder de contar historias. Isabelle Stoffel ve el estreno de la obra en el festival de Edimburgo de 2013 junto con Sigfrid Monleón y ambos se enamoran del personaje. Es un verdadero tour de force para una actriz, con un ritmo que transita entre la poesía y el rap, o como una improvisación hard bop de Freddie Hubbard, cercano al Spoken word. La sensación de velocidad de la obra es la de la guerra de los drones, la de un mundo que se mueve demasiado rápido, la velocidad de la tecnología en el futuro sin control.



EN TIERRA (GROUNDED) cuenta la historia de una mujer piloto, caza militar, cuyo día a día consiste en lanzar bombas desde su avión sobre Irak. La adrenalina la mantiene alerta, hasta que se queda embarazada y, después de dar a luz, es destinada a pilotar un dron. De esta forma deja de volar a cielo abierto para lanzar misiles desde el interior de un contenedor en el desierto de Nevada, atenta a una pantalla de ordenador, a 8.000 kilómetros de distancia de su objetivo, el desierto de Afganistán. Después de cada turno, conduce a de vuelta a casa, a la vida familiar, un proceso que se vuelve cada vez más discordante. La obra alcanza un clímax feroz, mientras el estado de ánimo del piloto se desvía.

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<![CDATA[TEBAS LAND]]>Fecha inicio: 24/11/2017
Fecha fin: 24/11/2017
Lugar: Teatro Bretón
Hora comienzo: Día 24 de noviembre 20:30h.
El texto se despliega a la manera de un gran dispositivo narrativo-escénico para indagar en la compleja cuestión del parricidio. “La obra habla de que a veces somos asesinos sin serlo”, destaca el autor franco-uruguayo.

Tomando como tema central la figura del parricidio, el dramaturgo franco-uruguayo Sergio Blanco escribe su pieza de teatro TEBAS LAND inspirada en el legendario mito de Edipo, en la vida del santo europeo del siglo IV San Martín y en un expediente jurídico creado e imaginado por el propio Blanco en el cual se narra el juicio de un joven parricida llamado Martín Santos. A partir entonces de los distintos encuentros que mantienen en una cancha de básquetbol de una prisión, este joven parricida y un dramaturgo que busca poder escribir la historia de dicho parricidio, TEBAS LAND irá poco a poco preocupándose no tanto de la reconstrucción del crimen, sino de la representación escénica de los encuentros entre ambos personajes. De este modo, la pregunta inicial que abre la pieza: “¿cómo es posible matar a alguien?”, será reemplazada por la pregunta final: “¿cómo es posible representar a alguien?” TEBAS LAND se aleja así de la dimensión ética del parricidio para concentrarse en las posibilidades estéticas de su representación y poder finalmente ofrecernos una bella tesis sobre el acontecer teatral. Escrita y diseñada especialmente en 2012 para el Teatro San Martín de Buenos Aires, TEBAS LAND revisita una serie de textos clásicos que abordan el tema del parricidio – Edipo Rey de Sófocles, Los hermanos Karamazov de Dostoievski, Un parricida de Maupassant y Dostoievski y el parricidio de Sigmund Freud –, no con el propósito de rendirles un hueco homenaje literario sino con el fin de proponer un verdadero desafío de parricidio escénico.

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<![CDATA[EN LA ORILLA]]>Fecha inicio: 25/11/2017
Fecha fin: 25/11/2017
Lugar: Teatro Bretón
Hora comienzo: Día 25 de noviembre 20:30h.
EN LA ORILLA es la adaptación teatral de la laureada novela de Rafael Chirbes, Premio Nacional de Narrativa y de la Crítica en 2014.

Al mismo tiempo que concluía la dirección de Ejecución hipotecaria, de Miguel Ángel Sánchez, se publicaba la última novela de Chirbes, En la orilla. Fan como soy del autor, tuve que hacer un esfuerzo disciplinario para no lanzarme con avidez a su lectura, básicamente porque es un autor que me arrebata de tal manera que puedo desaparecer -literalmente- de la circulación para sumergirme como un esclavo en sus propuestas literarias. Desde la lectura de su primera novela hasta aquí siempre he sentido la tentación de adaptar al teatro sus decadentes paisajes de truhanes reconocibles, perdedores barcos a la deriva, paraísos que con el tiempo devinieron terrenales, traiciones maquilladas con el cáncer de la hipocresía, seres que se formaron en el suburbio de la mala praxis política y arrastraron en su caída valores recientemente conquistados, mujeres y hombres que sucumbieron en la efímera fantasía de banales burbujas…
En apariencia personajes y situaciones de indudable peso dramático, historias con principio, centro y final que siempre dejan una sustancia reflexiva para que se la cocine el propio cliente. Contextualizadas hábilmente en la oportuna actualidad para que el enganche sea directo, contundente, sin necesidad de tener que acudir a hemerotecas (siempre se habla del hoy) ni formar parte de élites intelectuales. La verdad pura y dura que nos rodea, la descripción del caos desde su origen hasta el presente. Aquí, ahora, en nuestro fango particular.
Todo aparentemente muy teatral en la medida que la lectura nos proporciona imágenes poderosas y enfrentamientos de personajes antagónicos que en sí mismos son un dechado de virtud dramática. Pero siempre hay un pero. Porque Chirbes se explaya en la interioridad de sus personajes, lo que éstos piensan y sienten sobre sí mismos y sobre el mundo que habitan y sus complejas relaciones; y lo hace con el lenguaje de lo íntimo. Y esto frena la necesaria extroversión que exige el hecho teatral. Por tanto, surge la necesidad de encontrar un lenguaje que traduzca a las tablas el otro lenguaje minimalista que propone el autor.
Como metáfora aparece un personaje que se convierte en fundamental a lo largo de la historia: el pantano. El pantano, principio y génesis de la vida y de la riqueza y lugar final donde nos retiramos transmutados en detritus. El pantano como eufemismo y el individuo como narrador de su caverna íntima. Y seres decadentes relacionándose cínicamente entre anécdotas mundanas, putas, coches última gama, caldos exquisitos y demás parafernalias de ‘bon vivant’, con una única intención: esconder sus miserias. Temerosos de ser descubiertos desnudos y frágiles en el prosaico hábitat de sus descerebradas y estériles vidas.

Entre ellos, silenciado por la enfermedad y la vida, el viejo. Testigo amargo de las vicisitudes de unos vástagos que renegaron de principios que hablaban de justicia social, derechos humanos y libertades. Mudo espectador, impasible, viendo cómo se derrumba el imperio pequeño que construyó con sus delicadas manos de artesano, cómo le arrebatan ese romántico espacio construido a base de tesón, dignidad y memoria, sin ambiciones obscenas, sin codicia, sin despidos, sin especulación, con la razón que da la honestidad. Y todo impregnado en decadencia. Emprendedores que quisieron más. Y luego mucho más. Engañando a hermanos. Vendiendo a madres. El que colocaba preferentes, el del todoterreno de marchas automáticas, aquél que hizo el cursillo acelerado de enología y buenas costumbres, el asiduo del burdel que aseguraba que todas las putas le adoraban, el ostentoso, el voceras, el de las líneas de crédito y las oportunidades exprés, el que despedía, el comisionista, el que se acercó a la política para aprovecharse. En fin, toda esa galería de monstruos reconocibles que transitan por la novela y ocupan un lugar privilegiado en la “marca España”(...).

Adolfo Fernández

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<![CDATA[IMAGINA SIN LÍMITES]]>Fecha inicio: 02/12/2017
Fecha fin: 02/12/2017
Lugar: Teatro Bretón
Hora comienzo: Día 2 de diciembre a las 19h.
Organiza:

“La compañía de Teatro Inestable de Asprodema”, en este su quinto montaje, se transforma en “Palacio Irreal, Compañía de Ópera” para presentar “Imagina sin límites”. Una Ópera de creación propia ambientada en una gran ciudad de los años veinte y que, con Romeo y Julieta como punto de partida, habla de la familia con humor y con una visión poliédrica de la misma.
Nuestra compañía está compuesta por sesenta personas con discapacidad intelectual adultas y catorce profesionales de apoyo distribuidos en diferentes profesiones: actores, bailarines, cantantes, documentalistas, escenógrafos, escritores, figurinistas, fotógrafos, maquilladores, músicos, operadores de cámara, peluqueros, productores, regidores, relaciones públicas, técnicos de luces y sonido, que han trabajado durante cuatros años en la creación del libreto y su posterior promoción y puesta en escena.

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<![CDATA[GIGANTES Y CABEZUDOS]]>Fecha inicio: 03/12/2017
Fecha fin: 03/12/2017
Lugar: Teatro Bretón
Hora comienzo: Día 3 de diciembre a las 19:30h.
Organizado por la C.L.A Pepe Eizaga

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<![CDATA[LURRAK]]>Fecha inicio: 06/12/2017
Fecha fin: 06/12/2017
Lugar: Teatro Bretón
Hora comienzo: Día 6 de diciembre a las 19:30h.
Un espectáculo musical de circo contemporáneo que cuenta la historia de una rebelión en una pequeña comunidad, un grupo de hombres y mujeres que se oponen a los abusos en su trabajo. Los personajes se mueven entre lo absurdo, lo cómico y la tradición obrera ligada al ambiente fabril de los años 60.

Un espectáculo musical de circo contemporáneo que cuenta la historia de una rebelión en una pequeña comunidad, un grupo de hombres y mujeres que se oponen a los abusos en su trabajo. Los personajes se mueven entre lo absurdo, lo cómico y la tradición obrera ligada al ambiente fabril de los años 60. En un ambiente industrial donde reina la rutina, tendremos la oportunidad de asistir a una revolución. El absurdo del trabajo rutinario y la impotencia ante las situaciones extremas, llevan a los personajes a rebelarse contra el aburrimiento y la falta de vitalidad.
Personajes bien definidos, con sus manías y obsesiones, que comunican, a través dela música y el circo, emociones universales que saben llegar al público de todas las edades en todos los países. El espectáculo es una fiesta, un homenaje a las diferencias, a la creatividad y a la alegría desbordante, a la poesía de la vida. Cuatro músicos interpretan en directo las melodías creadas para el espectáculo, que puntúan cada gesto y marcan el ritmo de la acción.
La música es protagonista y, a través de ella, se cuentan historias relacionadas con esta fábrica. La música de LURRAK se interpreta mediante instrumentos musicales euskaldunes, reconocidos internacionalmente por su singularidad: txalaparta, trikitixa y alboka. Transcribe las acciones mediante números de circo y personajes claros y humanos, reconocibles por el público, universales.
Sin necesidad de usar palabras. Distintos tipos de aéreos (aro, cuerda, cintas) se mezclan números de balanza con mano a mano, equilibrios, mediante los que se va creando el ambiente fabril.

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<![CDATA[AUTOBIOGRAFÍA DE UN YOGUI]]>Fecha inicio: 08/12/2017
Fecha fin: 09/12/2017
Lugar: Teatro Bretón
Hora comienzo: Día 8 de diciembre a las 20:30h;
Día 9 de diciembre a las 20:30h.
AUTOBIOGRAFÍA DE UN YOGUI está basado en el libro del mismo nombre que se convirtió en uno de los libros más leídos del mundo. Se ha llevado al cine con el título de `Awake` y ha sido doblada al español por Rafael Álvarez. Cuenta los sucesos extraordinarios de la vida de este maestro del Yogui, que introdujo por primera vez esta disciplina en occidente.

Creo que fue Gandhi el que dijo algo así: "He observado que la vida persiste en medio de la destrucción. Por lo tanto debe de haber una ley superior a la ley de la destrucción. Únicamente bajo esa ley la sociedad puede ser inteligible y la vida digna de ser vivida". La grandeza de la ciencia sería indagar acerca de esa ley, y la del arte celebrarla y reflejarla.
Pero ¡yo sólo soy un cómico y un comediante!. En todos mis espectáculos la risa es un factor dominante...que rima con comediante...ustedes ya me conocen...y aún así busco siempre un instante donde el aliento se eleve hacía el dominio sagrado de la poesía. Shakespeare era también comediante pero además un poeta. Por eso es que yo invoco siempre su espíritu para que le de alas a mis risas y las haga más transparentes. En esta ocasión lo necesitaré de una manera muy especial.

Me temo que ustedes tendrán que hacer también un esfuerzo especial para acompañarme. ¿podría yo volar sin ustedes? ¿quién era Yogananda?... ¡un hombre grande! Trajo el yoga a occidente (no sólo el yoga físico) si no también el "raja yoga", que así es como en la India le llaman: la meditación, la ciencia de la realización del ser. ¿y qué significa esto? Él lo explica de manera clara y sencilla con su poderosa palabra pero aún más con su vida.
De ahí la fascinación que ejerció en mí esta autobiografía. Para que ustedes le conozcan, hago yo este espectáculo.Espero que la sabiduría, el encanto, la magia, la luz y el amor de este relato les inspire y acompañe. Les presento a Paramahansa Yogananda, un gran maestro. ¡mi maestro!

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<![CDATA[UNA GATA SOBRE UN TEJADO DE ZINC CALIENTE]]>Fecha inicio: 14/12/2017
Fecha fin: 14/12/2017
Lugar: Teatro Bretón
Hora comienzo: Día 14 de diciembre a las 20:30h.

UNA GATA SOBRE UN TEJADO DE ZINC CALIENTE es un intenso drama familiar, trasmitido de forma sincera, profunda y llena de sentido del humor que nos hace reír en momentos profundamente dramáticos. Muchos tenemos en la memoria la película de Richard Brooks, pero la obra original de Tennessee Williams merece una nueva revisión para mostrar facetas más ocultas e incidir en temas tan actuales como la familia, la pasión, la enfermedad, la ambición, la adicción, el amor y sobre todo el desamor.
La última versión de “La gata...” que escribe Williams y en la que introduce algunos cambios a sugerencia de Elia Kazan, es una función dura y romántica,con una prosa capaz de hacernos volar pero que nos mantiene atados a la realidad, un drama familiar contemporáneo lleno de sinceridad, hondura y poesía y sentido del humor.
Williams consigue con esta obra maestra emocionarnos y sobrecogernos a partes iguales. Un texto escrito para ser representado por grandísimos actores y que en palabras del propio autor es “un intento de atrapar la verdadera naturaleza de un grupo de personas,ese intercambio turbio, tembloroso, evanescente -¡tan fieramente cargado!- de los seres humanos en la tormenta de una crisis corriente”.

Amelia Ochandiano

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<![CDATA[LA ROSA DEL AZAFRÁN]]>Fecha inicio: 16/12/2017
Fecha fin: 16/12/2017
Lugar: Teatro Bretón
Hora comienzo: Día 16 de diciembre a las 20:30h.
Organizado por la C.L.A Pepe Eizaga

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<![CDATA[LO MEJOR DE YLLANA]]>Fecha inicio: 17/12/2017
Fecha fin: 17/12/2017
Lugar: Teatro Bretón
Hora comienzo: Día 17 de diciembre a las 19:30h.
LO MEJOR DE YLLANA repasa, como celebración por haber cumplido 25 años de andadura sobre el escenario, los grandes momentos de la trayectoria de la compañía con una selección de los mejores sketches de nuestros espectáculos. LO MEJOR DE YLLANA es un desternillante show que hará realidad el deseo de los fans de Yllana de disfrutar en un mismo espectáculo de los gags más divertidos de la compañía en este cuarto de siglo.

“El humor de Yllana no es un humor para la sonrisa sino para la carcajada; o te ries con todo el cuerpo o no te ríes. Yo recuerdo con especial intensidad emocional 666, Brothers y Muuu. (...) En tiempos escribí que Yllana suplanta con la lógica del gesto la lógica de la palabra, ha creado un sello, una marca, y por eso mantiene la eficacia de la carcajada.
De los mejores momentos de estos 25 años está lleno este espectáculo, antológico en el sentido de selectivo , recopilatorio, esta historia cada vez más tecnificada y audaz. Momento de depuración estilística, las peripecias del casino justo cuando el espectáculo inicia un pequeño declive.
Momento de audacia y belleza plástica, las peripecias espaciales. Y siempre humor negro, negrísimo, lenguaje mordaz, absurdo, ficción. Yo creo que el parentesco mayor de Yllana es con el absurdo; con el absurdo festivo y disparatado de Ionesco.”

Javier Villán | EL MUNDO

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